Apesar de a direção da CBF apostar na continuidade, a decisão gerou debates intensos e críticas, visto que o Brasil teve um de seus piores desempenhos recentes em Copas, caindo logo nas oitavas de final.

Nomes como Luisão e Romário criticaram, e com razão, o fato de a CBF ter optado por renovar o contrato antes de ver o resultado prático da equipe no Mundial. A seleção brasileira passou a ser um produto gerido por cartolas, não mais o maior patrimônio nacional.

Falta o brilho nos olhos, a alegria de jogar. A bola pune quem trata o futebol apenas como negócio. Torcer pela Seleção exigiu mais paciência do que paixão. Dói muito ver o nosso talento desperdiçado e a nossa história sendo manchada.

O peso da camisa amarela parece ter ficado pesado demais para quem carrega a responsabilidade de vencer. Mais do que perder, o que frustra é ver que o Brasil esqueceu como se joga o futebol bonito, de classe, de categoria, do charme de um Pelé, de dribles fenomenais como os de Garrincha.

A distância entre o torcedor brasileiro e a Seleção nunca pareceu tão grande quanto agora. Nos acostumamos tanto com a decepção que a eliminação deixou de ser uma surpresa para se tornar rotina.

Sobre a derrota para a Noruega, foi muito frustrante. Uma nação inteira respirando futebol para no fim sobrar apenas a decepção. Faltou raça, sobrou sofrimento. Não dá para entender. O maior campeão do mundo não merecia passar por isso de novo.

A eliminação ocorreu pela falta de eficiência em momentos decisivos (como o pênalti desperdiçado por Bruno Guimarães) e pela desorganização tática, que resultou em uma posse de bola de apenas 34% e nos dois gols sofridos nos quinze minutos finais, ambos marcados pelo atacante Erling Haaland.

O Brasil já foi sinônimo de alegria no futebol. Hoje, só nos traz lágrimas e frustração. Não chegar sequer às quartas foi o maior vexame da história do futebol mundial. Uma mancada que vai ficar marcada para sempre na história. Sou daqueles céticos, cuja única certeza em Copa do Mundo é a decepção brasileira.

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Festa rima com retreta para manter viva a alma musical de uma cidade. Quando morava por lá, garoto imberbe e ingênuo, perdi as contas de ser acordado por retretas, à frente o maestro Dinamérico Lopes, seu Dino, como o tratávamos carinhosamente. Que homem bom no pistom, no clarinete, em qualquer instrumento de sopro.

Criou uma escolinha para não deixar a tradição morrer. Com o tempo, muitos talentos se revelaram, entre eles meu amigo Chagas. Toca de tudo, de violão a bandolim, de piano a sanfona. Um gênio apaixonado por música. Certa vez, levado por mim, encantou as autoridades em Brasília com a sua genialidade, na histórica festa de abertura da sucursal do Diário de Pernambuco.

Augusto Martins, meu mano querido, me enviou este vídeo do historiador Rodrigo Pires, que mantém a chama acesa de nossa aldeia no mundo digital por meio da página “Passado e presente”. Grudei os olhos nas imagens e entre os músicos acordando a cidade identifiquei, claro, o grande Chagas soprando o seu inseparável sax de ouro.

Minha Afogados da Ingazeira não é só um lugar no mapa. É lá onde minhas memórias moram. Onde se nasce e cresce é onde está a melhor parte da vida, a melhor parte de mim. Por onde ando, levo o orgulho das minhas raízes.

Ingrato filho que esquece ou debocha das suas raizes quando vira gente na vida! Cresci ouvindo meu pai Gastão Cerquinha dizer, em alto e bom som, que a cidade onde nascemos é o cenário de quem somos. Afogados, portanto, é parte da minha essência, sempre orgulho, nunca vergonha.

Não importa a distância, as ruas da minha cidade sempre me levam para casa. Em cada esquina, uma lembrança. Em cada canto, um pedaço da minha história. Um lugar de raízes fortes e asas grandes. Minha cidade é meu primeiro mundo, pátria amada, musa inspiradora.

As melhores histórias começam no lugar onde a gente chama de lar, de berço e Afogados me fascina mais ainda por ser extensão do berço imortal da poesia, Itapetim, chão de Louro, Dimas e Otacilio, monstros sagrados da rima, do verso solto e improvisado no batuque da viola.

Ter origem por lá é carregar no peito a força, a cultura e a beleza do lugar que me chamou para a vida. Foi em Afogados que dei meus primeiros passos, que encontrei meus maiores afetos e o orgulho de quem sou. Do seu chão seco brotam as minhas maiores inspirações e a certeza do meu lugar no mundo.

Sou do time de Olavo Bilac e nele me vejo: “Ama, com fé e orgulho, a terra em que nasceste! / Criança! Não verás nenhum país como este!” O grande Ariano Suassuna, personagem recente de uma crônica domingueira, dizia que o Sertão era o seu mundo. “Ele não é uma limitação para mim, é o meu universo”, disse.

Isso lava a minha alma. Machado de Assis também deixa minha alma lavada: “A terra natal, mesmo que seja uma aldeia, é sempre o paraíso do mundo”. Para mim, Afogados da Ingazeira não é apenas minha terra, é um estado de espírito, uma magia. Eu sei que tem um sol que queima, mas é lá onde está minha alma.

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Distava uns 6 a 8 km da cidade. Parecia um oásis: água em abundância, frutas, muito capim para as criações e árvores frondosas, como os manguezais, onde fazíamos nossos piqueniques aos domingos.

Que tempo bom! Meus irmãos, oito, iam todos. A gente era feliz e não sabia. Subia no pé de manga para arrancar as mais maduras. Parecia uma competição. Havia ainda as travessuras nos pés de goiaba, de umbu e de manguitos. Ainda havia espaço para pendurar uma rede para o cochilo à sombra do pé de mangueira.

Mamãe Margarida, uma flor, cozinhava num fogão à lenha no casarão da fazenda. Pelas suas mãos divinas, saiam feijão verde, xerém, arroz mexido, cuscuz, galinha de capoeira e bode. Trazia a comida para debaixo da mangueira em caldeirões.

A sobremesa? Rapadura, mel de engenho e alfinim, que eu adorava, porque era bem molinho, se derretia facilmente na boca, diferente da rapadura. Homem devotado aos filhos, papai reunia a enorme prole debaixo de uma mangueira na maior felicidade, ao som dos pássaros, especialmente os lindos e cantadores galos de campina.

Mas minha recordação mais dolorosa da Canindé de Gonzagão tem a ver com o percurso da cidade até o sítio. Muitas vezes, era feito a pé, beirando a linha de trem, como recorda meu irmão Marcelo, criado encangado comigo. O sol, causticante, queimava a pele, esquentava os miolos do cérebro. Era a grande adversidade.

Andar a pé sob o sol escaldante do sertão simboliza a resiliência sertaneja, onde a terra seca e o céu de fogo testam a nossa fé e a coragem. A jornada é marcada pelo calor, pela poeira e pelo contraste com a beleza bruta da caatinga. Parece uma sina: no Sertão, quem anda a pé com fé não teme o calor, pois o próprio sol forja a coragem no peito da gente severina.

Li “O Quinze”, de Rachel de Queiroz, a brava cearense, que amava a terra seca, o sol ardente. Na obra, ela descreve o drama dos retirantes caminhando sob forte sol, fome e exaustão. Andar a pé no sol quente da caatinga não é apenas cansaço, mas poesia bruta, segundo Rachel. Para ela, que tinha a cara e o DNA do Sertão na veia, a terra seca vira estrada e o suor prova de resistência.

Viver no Sertão é adaptar-se ao o que o sol impõe, li em “Os Sertões”, de Euclides da Cunha, um livro que traça o Brasil sem maquiagens. “O sertão é um vale fértil. É um pomar vastíssimo, sem dono”, escreveu ele, autor da frase mais famosa no traço da gente habitante do mundo de vidas secas: “O sertanejo é, antes de tudo, um forte”.

O sertão quente parece ensinar cada passo. E nos ensina também que quem aguenta o sol escaldante de pés no chão, não corre de tempestade. Em “Grande Sertão e Veredas”, João Guimarães Rosa também foi testemunha da fé sertaneja desafiando o sol. Constatou que entre mandacarus e caminhos de terra batida, o sol quente é testemunha da força de um povo que caminha com o coração cheio de esperança.

“Pés calejados, horizonte infinito e um sol que parece feito de fogo. Andar a pé no sertão é sentir a alma ser purificada pelo calor da nossa terra”, escreveu. A obra-prima de Guimarães Rosa é um mergulho nas angústias, amores e dualidades humanas. Explora a coragem, a vida em constante transformação e a ideia de que o sertão transcende a geografia, habitando o interior de cada pessoa.

Foi lá que li e nunca mais esqueci: “O correr da vida embrulha tudo, a vida é assim: esquenta e esfria, aperta e daí afrouxa, sossega e depois desinquieta. O que ela quer da gente é coragem.”

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Todo mundo tem medo da velhice, menos Ariano, que morreu aos 87 anos. “Nunca reclamei da velhice, porque envelhecer é natural. A gente vive a vida toda esperando isso. É até bom. Me lembro do Álvares de Azevedo. Tenho uma pena dele! Morreu com 19 anos, rapaz, um poeta daqueles. Veja o que ele dizia, que coisa linda: “Deus, que eu morra no palco! Não me coroem / De rosas infecundas a agonia!”. Tenho a mesma sensação. Se eu morrer, quero morrer no palco”, disse o dramaturgo numa entrevista ao jornal O Globo.

Ariano nos deixou muitos ensinamentos. Era um sábio, exagerado otimista. Para ele, a literatura era uma missão, a de defender o povo e a cultura dos brasileiros. E também uma vocação. Ariano Suassuna foi um dos maiores dramaturgos e pensadores brasileiros, célebre por suas obras como “O Auto da Compadecida” e por suas defesas apaixonadas da cultura nordestina. Sua visão de mundo unia profunda sabedoria, humor e esperança.

“Passei por momentos muito duros na vida, mas os enfrentei pela minha arte, que é a minha dança. Eu sei que eu posso ficar cego, porque sou diabético — mas eu danço. Quando digo dançar, quero dizer que participo da festa da literatura. A morte é certa. Todos nós morremos — e eu danço mesmo assim. A tarefa de viver é dura, mas fascinante. Agradeço a Deus o fato de viver. É com estas três palavras que eu danço: missão, vocação e festa”, disse numa outra ocasião ao mesmo jornal.

Quando diz que a vida é dura, mas é fascinante viver, recordo também que já li ele dizendo que tinha duas armas para lutar contra o desespero, a tristeza e até a morte: o riso a cavalo e o galope do sonho. Que coisa fantástica! Mas Ariano era fantástico mesmo! Ele dizia que “os mentirosos são parecidos com os escritores que, inconformados com a realidade, inventam outras.”

Sobre a força dos ideais que nos movem, disse: “O sonho é que leva a gente para a frente. Se a gente for seguir a razão, fica aquietado, acomodado.” Eita homem arretado! Ainda bem que de vez em quando chega a inspiração ao tropeçar, como fiz no sinal de trânsito em João Pessoa, na genialidade de Ariano Suassuna.

Ele morreu em 2014, aos 87 anos, mas é daqueles raros criadores artísticos que merecem a imortalidade. Seu maior sucesso, a peça “Auto da Compadecida”, e suas aulas shows constituem só a ponta de um iceberg fundamental para a arte e a cultura brasileiras.

Ao cunhar a expressão “armorial” como símbolo de um movimento de afirmação da cultura nordestina, intrinsecamente mestiça, nos anos 1970, Suassuna redescobriu um mundo fabuloso, o do Brasil profundo.

“Foi aí que meio sério, meio brincando, comecei a dizer que tal poema ou tal estandarte de Cavalhada era ‘armorial’, isto é, brilhava em esmaltes puros, festivos, nítidos, metálicos e coloridos, como uma bandeira, um brasão, ou um toque de clarim. Lembrei-me, aí, também, das pedras armoriais dos portões e frontadas do Barroco brasileiro, e passei a estender o nome à escultura com a qual sonhava para o Nordeste”, li dele, que completou:

“Descobri que o nome ‘armorial’ servia, ainda, para qualificar os ‘cantares’ do Romanceiro, os toques de violas e rabecas dos cantadores — toques ásperos, arcaicos, acerados como gumes de faca de ponta, lembrando o clavicórdio e a viola de de arco da nossa música barroca do século 18”.

A vida é fascinante, como disse Ariano, porque é efêmera. Um sorriso jamais se repete e o mesmo olhar não pousa duas vezes em nossos olhos fugidios. A vida não é sobre esperar a tempestade passar, é sobre aprender a dançar na chuva.

A vida tem a cor que você pinta. Temos que viver como se você fosse para sempre. As maiores lições da vida geralmente são aprendidas nas experiências mais desafiadoras.

Temos que viver inspirado em Ariano Suassuna: “Assim como uma flor precisa de sol e chuva para crescer, nós precisamos de alegrias e desafios para evoluir”.

Saiba que o segredo não é correr atrás das borboletas, mas cuidar do jardim para que elas venham até você.

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Nasci e cresci sem conhecer televisão. O único veículo de comunicação em Afogados da Ingazeira quando eu corria suas ruas descalço era o rádio. TV, só Recife, luxo exclusivo das civilizações, não de aldeias como a minha quando imberbe e ingênuo. A única novela na minha aldeia era o fuxico nas calçadas, as históricas de assombração do meu amigo de infância Fernando Moraes.

Danda de “Seu” Espedito, como assim era conhecido em nossa aldeia pajeuzeira, gostava de assustar garotos criados no colo da mãe como eu. Dizia que quando a luz apagava — a energia da cidade era movida por um motor a diesel que deixava de funcionar por volta de dez da noite — ninguém podia passar na praça porque aparecia um bicho papão.

Danda era tão ruim que descrevia a assombração para nos meter mais medo ainda: um bicho alto, vestido de branco, de boca grande para comer o fígado das crianças traquinas. Eu me tremia de medo e me escondia dentro do guarda-roupa. Quanta ingenuidade minha! Quanta maldade de Danda!

Mas voltando ao episódio da TV encravada na serra, a cidade inteira se transferiu para o nosso morro dos ventos uivantes. A subida era quase impossível: pedras, espinhos, carrapicho e urtiga. A ordem era se livrar dessa plantinha terrível, porque queima feito fogo.

O Brasil foi campeão na Copa do Mundo de 1970. O torneio aconteceu no México e a seleção brasileira conquistou o tricampeonato mundial de forma invicta, garantindo a posse definitiva da Taça Jules Rimet. O Brasil derrotou a Itália na grande final pelo placar de 4 × 1 no Estádio Azteca. Os gols brasileiros foram marcados por Pelé, Gérson, Jairzinho e Carlos Alberto Torres.

Mas não vimos nada pela TV escalada no alto da montanha em Afogados da Ingazeira. Que mico pagamos, fico a pensar hoje quando essa recordação me chega em meio ao clima de Copa do Mundo. Momentos marcantes são construídos com emoção, amor e vivências.

Tornam-se memórias inesquecíveis que definem nossa história de vida. Viram coisas especiais pela intensidade do sentimento, muitas vezes nos pequenos detalhes que se enraizam na memória. A vida é como uma câmera: a gente só captura esses momentos e sentimentos se o foco sair da memória.

A Copa também chega trazendo saudade, porque a saudade é o preço que pagamos por ter vivido momentos inesquecíveis. Momentos felizes passam, os inesquecíveis ficam e os eternos, logicamente, criam raízes sólidas para sempre.

Lembranças também existem com um toque de saudade para se gravar na memória. Para Rubem Alves, meu cronista do coração, a memória não é apenas um depósito de fatos passados, mas uma construção ativa, muitas vezes poética e indomável, que dá sentido à existência e mantém vivos os afetos.

Ele a via como uma forma de “comer o passado” para nutrir o presente, com memórias que têm “vida própria”.

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Um ser humano complexo na relação pessoal, com a família, amigos e até no cárcere. Espírito libertário, defendeu um estado totalitário que vigiasse a qualidade do trabalho de jovens escritores. Apoiado pelo governador de Alagoas e impulsionado por ser um nome de fora da política, foi eleito prefeito de Palmeira dos Índios em um pleito de uma candidatura única, consensual.

Ficou dois anos no cargo e depois renunciou. Quando prefeito, soltava os presos para construírem estradas. Foi preso em 1935 em Maceió, após a intentona comunista. Levado para o Rio de Janeiro, ficou detido por onze meses, sendo liberado sem ter sido acusado de nada ou julgado. A dolorosa experiência está relatada no livro Memórias do Cárcere.

“Se todos os sujeitos perseguidos fizessem como eu, não teria havido uma só revolução no mundo. Revolucionário chinfrim. As minhas armas, fracas e de papel, só podiam ser manejadas no isolamento”, escreveu sobre a prisão.

Com argúcia de historiador e sensibilidade literária, Dênis de Moraes traça a interligação entre as várias personas de Graciliano Ramos, que cresceu traumatizado pelas surras na infância, mas que jovem virou autodidata. Lia Balzac, Zola e Marx em francês. Foi um revolucionário prefeito de Palmeira dos Índios, também zeloso diretor da Imprensa Oficial e da Instrução Pública de Alagoas. Foi escritor sufocado por apuros financeiros, um estilista da palavra na redação do Correio da Manhã.

Também foi militante comunista aos esbarrões com a burocracia partidária. Sem cair na armadilha do biografismo, Moraes recompõe a emergência dessa complexa figura, reconstituindo no percurso dialético de seus diversos momentos alguns dilemas fundamentais de nossa formação histórica. Resultado: nos oferece um Graciliano sem retoques. Duro, mas apaixonado; frio e áspero na superfície da fala e do gesto, mas ardente e sempre humano na fonte da vida pessoal.

A paixão pela palavra nele precedeu e acompanhou a opção política que, por sua vez, transcendeu (mas jamais renegou) a adesão partidária. O autor remonta o quebra-cabeça de Graciliano, fragmentos do passado que precisavam ser pacientemente reunidos e dispostos com a máxima coerência possível, a despeito da pluralidade de suas significações.

A necessidade de correlacionar peripécias, valores e sentimentos foi inspirada em uma passagem do Prólogo de “Memórias do cárcere”. O escritor consciente, assinala Graciliano, não deve esquivar-se dos zigue-zagues e tumultos próprios de uma existência.

“Esforcei-me para mirar o objeto sem perder de vista suas interfaces, tratando de averiguar convicções, dúvidas, anseios, vicissitudes e triunfos a fim de estabelecer conexões com a esfera ficcional engendrada por ele. Nas tensões entre o homem, a atmosfera social e a criação literária, recolhi pistas que me levassem às motivações familiares, afetivas, estéticas, ideológicas e políticas presentes em sua intervenção na realidade concreta”, diz o autor.

O livro é uma história de projeções e influências, de paradoxos e contrastes, mas, sobretudo, de coerência na busca incessante do que é essencial à vida. Do início ao fim, a vida de Graciliano Ramos é contada com muita emoção, um texto que prende e encanta.

Graciliano não cuidava da saúde. Fumava feito uma caipora, o que lhe custou a vida, pois acabou vitimado por um câncer nos pulmões. Seu grande amigo foi o escritor José Lins do Rego, que o ajudou a publicar “Angústia”, em 1936.

Outra grande amiga foi Rachel de Queiroz, que admirava sua inteligência extrema, fidelidade e humor ferino/mau humor constante. Ela o via como um “irmão” de convivência diária e um escritor de rigor absoluto com a língua, citando que ele “sabia mais português do que Aurélio”.

A principal obra de Graciliano Ramos é o romance “Vidas Secas” (1938). O clássico retrata a trajetória de uma família de retirantes sertanejos forçada a fugir da seca e da miséria no Nordeste. A obra é considerada uma das maiores expressões da literatura brasileira de denúncia social e regionalismo.

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Acredite! Envelhecer é ver o mundo com menos pressa e mais verdade. Rubem Alves, meu cronista preferido, via a velhice não como uma “melhor idade” idílica, mas como um tempo de colheita, beleza estética, comparando-a a um crepúsculo.

Ele distinguia “idoso” (palavra de fila) de “velho” (palavra de poesia). A velhice tem a sua beleza, que é a beleza do crepúsculo, escreveu. Que profundo! Porque a beleza do crepúsculo é tranquila, silenciosa. “Os velhos terão rosto de criança se a criança eterna continuar viva dentro deles”, ensinou.

Ele acreditava que envelhecer bem é manter a curiosidade e a capacidade de espanto de uma criança, sem se deixar “aposentar” pela vida. Diferente da juventude, que é a estética da manhã, ele via a velhice como a beleza do fim do dia, onde se toma consciência do tempo.

Para mim, que nasci jornalista, um curioso, crítico contumaz, o passar do tempo rima com indignação. Quando já não me indignar, terei começado a envelhecer. Que importam os anos? O que importa mesmo é comprovar que, afinal de contas, a melhor idade da vida é estar vivo.

E como é bom viver! Amar alguém intensamente, amanhecer ouvindo os pássaros, dormir embriagado de amor e felicidade. Abrir um champanhe para brindar a vida. Ter a lucidez e o bom humor de um Chaplin, trabalhar até o último dia, como fez Barbosa Lima Sobrinho, o jornalista mais longevo deste país, que morreu aos 103 anos escrevendo sua coluna para o JB.

Nunca se imagine velho! Tire todos os dias esse lacro da sua vida. Poucas pessoas têm esse discernimento, poucas pessoas sabem envelhecer. Eu sou um brincalhão e levo a vida a brincar, porque não paramos de brincar porque envelhecemos, mas envelhecemos porque paramos de brincar. Minha alma é jovem, meu coração um adolescente, meu caminhar um constante renascer.

Dizem que o tempo é implacável, mas com um pouco de humor, ele fica bem mais simpático. O tempo não rouba juventude, ele revela maturidade. Feliz é quem envelhece com histórias para contar, e não com mágoas para guardar. Saía por aí contando seus feitos, seus golaços de felicidade, sua alegria, combustível eterno da felicidade.

Seja um Ariano Suassuna, que abominava eufemismos como “terceira idade”. Ele orgulhava-se de ser velho e via a idade avançada como um privilégio. Mario Quintana via o passar do tempo com leveza, ironia e sensibilidade, transformando a velhice em uma fase de liberdade poética.

José Saramago, em reflexões, desafiou a contagem dos anos, defendendo que a idade é aquela que sentimos e escolhemos ter, focando na vitalidade interna. Carlos Drummond de Andrade e Cecília Meireles em suas poesias olharam para o envelhecer como parte da construção poética da existência humana, desnudando o cotidiano.

Paulo Freire enfatizou a importância de “não deixar envelhecer o menino” que fomos. Platão, por sua vez, enxergava a velhice como um momento que proporciona paz e libertação. Sêneca, filósofo estoico, escreveu que a velhice é abundante em prazeres se soubermos amá-la, sendo um estado de repouso e liberdade.

Rachel de Queiroz também nos deixou boas lições da velocidade do tempo: “Ao longo dos anos a gente fica mais tímido, mais medroso. Aquela audácia, aquela petulância de quando se é jovem se perde quando se criam laços afetivos. Dá uma certa humildade o conhecimento do mundo.”

Cora Coralina, que leio sempre para rejuvenescer, defendia não ter medo dos anos, manter a mente ativa (lendo e se atualizando), produzir sempre, evitar a inércia e manter uma postura positiva, sem se autodenominar velha ou cansada. “Eu não tenho medo dos anos e não penso em velhice. E digo para você, não pense”.

A velhice foi retratada em sua obra como uma época para usar a sabedoria adquirida e como um momento de libertação, ao invés de uma prisão. Cora Coralina vivenciou uma “velhice ativa”, transformando a fase em um período de criatividade e força, sendo um exemplo de envelhecimento saudável e produtivo.

Pense, enfim, num detalhe: existe uma fonte da juventude — é a sua mente, os seus talentos, a criatividade. Pense nisso e bola pra frente!

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Papai adorava! Era o grupo campeão lá em casa ouvido numa radiolinha das antigas. De todas, a que ele mais gostava era “Iracema”, do Adoniran Barbosa, mestre-estrela do grupo. “Iracema, eu nunca mais eu te vi /Iracema, meu grande amor, foi embora/ Chorei, eu chorei de dor porque / Iracema, meu grande amor foi você/ Iracema, eu sempre dizia/ Cuidado ao travessar essas ruas/ Eu falava, mas você não me escutava, não/ Iracema, você travessou contramão”.

“A vida é dura, mas com samba fica mais leve”, dizia Adoniran, que retratou um samba paulistano, todo próprio da cidade. Sua maior proeza foi transformar arranha-céus cinzentos e poluição da atmosfera em poesia. E ironizava quem insultava São Paulo. “Dizem que é selva de pedra, mas eu chamo de lar”, reagia.

Com atuação no Brasil há 84 anos, Os Demônios da Garoa continuam um símbolo vivo em tudo: representatividade, identidade, resistência e a tradição do samba paulistano. De pai para filho! Entrevistei Sérgio Rosa, percussionista, filho do Arnaldo Rosa, o fundador, que Deus já chamou. Serginho mantém a tradição familiar e seu filho Ricardo, também na percussão, já atua no grupo.

A formação original tinha o fundador Arnaldo Rosa (ritmo e vocal), Waldemar Pezuol (violão), Zezinho (violão tenor), os irmãos Antônio e Benedito Espanha (tantã e afoxé) e Bruno Michelucci (pandeiro).

Hoje, a formação dos Demônios da Garoa é a seguinte: Sérgio Rosa (pandeiro e afoxé), Roberto Barbosa, o canhotinho, (cavaquinho), Ricardo Cassimiro Rosa (percussão) e Dedé Paraizo (violão de 7 cordas).

Os Demônios da Garoa carregam uma história bastante curiosa, principalmente pela origem do nome. O que muita gente não sabe é que, a princípio, a banda se chamava “Grupo do Luar” e eles surgiram em 1943, quando participaram de um programa de calouros chamado A Hora da Bomba, transmitido pela Rádio Bandeirantes.

O grupo venceu o concurso de calouros, ganhando a oportunidade de se apresentar duas vezes por semana na rádio. Por iniciativa do locutor Vicente Leporace, um concurso foi aberto para que os ouvintes mandassem ideias de novos nomes para a banda, entre eles, surgiu “Demônios da Garoa”.

Até hoje não se sabe quem foi o ouvinte que sugeriu o nome, mas, segundo o grupo, “Demônios” surgiu porque o locutor Vicente Leporace se referia aos integrantes da banda como “esses endiabrados”, tendo em vista que o grupo era formado por indivíduos no auge da adolescência, que tinham entre 13 e 14 anos.

Já o termo “Garoa” surgiu porque naquela época a cidade de São Paulo era conhecida como “Terra da Garoa”. Em 1949, surgiu uma grande parceria que foi essencial para a consolidação do sucesso do grupo.

Os Demônios da Garoa conheceram o compositor Adoniran Barbosa durante as gravações do filme “O Cangaceiro” (1953). O contato do compositor com os meninos rendeu muitas composições que fizeram grande sucesso e contribuíram para a expansão e o reconhecimento nacional do grupo.

Um fato curioso sobre eles é que foram funcionários da Rádio Record durante os anos 50. “O conjunto foi funcionário da Rádio Record por mais de 15 anos, e foi uma época muito especial. Fazíamos parte do casting de grandes nomes da MPB. Uma época de muito aprendizado, amadurecimento, do qual temos muita saudade, disse Serginho na entrevista ao Sextou.

Os Demônios da Garoa são amplamente homenageados e respeitados por serem um dos maiores pilares do samba paulistano, construindo uma trajetória de mais de 80 anos que se mistura com a história da música brasileira. Desde 1994, o grupo é reconhecido pelo Guinness World Records (livro dos recordes) como o conjunto vocal mais antigo do Brasil e da América Latina em atividade.

O grupo consolidou sua reputação ao interpretar e eternizar as composições de Adoniran Barbosa, tornando-se os principais difusores do samba paulista e da crônica social da cidade de São Paulo. Eles personificam a cultura de São Paulo, Sucessos como “Trem das Onze” (o maior deles), “Samba do Arnesto”, “Saudosa Maloca” e “Tiro ao Álvaro” marcaram gerações de brasileiros.

Notabilizaram-se por vozes afinadas, arranjos vocais característicos e um humor marcante nas interpretações. Mesmo com a mudança de integrantes ao longo das décadas, o grupo manteve sua essência, muitas vezes através da continuidade familiar, como o caso de Ricardo Rosa (3ª geração) e Sérgio Rosa, mantendo o legado vivo.

Quem não se emocionaria em entrevistar um personagem vivo e autêntico dos Demônios da Garoa? Só quem não tem alma, sensibilidade e sentimento! Afinal, Sérgio deu voz no Sextou a um grupo considerado uma lenda viva do samba, unindo tradição e qualidade musical há oito décadas.

Quem não assistiu ao Sextou com o Demônios da Garoa, clique aqui agora e ouça. Está incrível!

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Mamãe pegou ar. “Eu não lavo nem os pés do meu marido, imagine os de quem não conheço. Tome vergonha na cara!”. E assim foi logo dando o tom da sua indignação e depois o expulsou do seu quintal.

Mamãe era temperamental, de não levar desaforos para casa. Papai já era um tremendo engolidor de sapos, extremamente conciliador. Mamãe dizia que odiava política, mas de vez em quando eu a flagrava pedindo votos para o marido amado.

E depois para Augusto Martins, meu irmão, que repetiu a história do meu pai: quatro vezes vereador, vice-prefeito do município. “Quem inventou política foi o diabo”, dizia ela. Mas mamãe sabia de tudo que rolava na política. Foi criada ouvindo as admoestações de dom Mota e depois dom Francisco pela rádio Pajeú de Afogados da Ingazeira.

Católica ardorosa, mamãe me levava para a igreja todos os dias do mês de maio, o mês mariano. Não sei para que, na verdade, porque mal começava a missa, eu já estava dormindo no seu colo. Que saudade daquele colo cheiroso, caliente e acolhedor! Mãe jamais devia morrer. É um ser divino, misericordioso.

Quanta saudade sinto neste Dia das Mães da minha flor margarida! Era alegre e jovial. Adorava um bom vinho e dizia, em tom de brincadeira: “Quer vinho, venha”. Gostava de dançar. Foi rainha do Clube da Terceira Idade. Ninguém animava com tanta energia essa confra do que ela.

Neste Dia das Mães, o amor está em alta. Não há um amor mais natural, sincero e leal do que o amor de mãe. O amor de mãe é o combustível que capacita um ser humano comum a fazer o impossível. Mãe ouve o coração bater fora do corpo e se emocionar com cada batida.

Amor de mãe é o único que nasce antes mesmo do primeiro olhar e permanece para sempre. Mãe é a personificação do amor incondicional, a força que nos guia e o refúgio que nos acolhe.

O amor de mãe não conhece limites, distância ou dificuldade. Se descrever o amor já é uma tarefa difícil, imagina descrever o amor de mãe! O amor de mãe é força que enfrenta o impossível, abrigo que acolhe sem limites e entrega que nada exige em troca.

É um sentimento único, capaz de atravessar desafios e permanecer eterno no coração. Reconhecer essa grandiosidade inspira gratidão, fortalece vínculos e ajuda a valorizar o maior amor que existe. O amor de mãe é diferente de qualquer outra coisa no mundo. Ele não obedece lei ou piedade, ousa todas as coisas e extermina sem remorso tudo o que ficar em seu caminho.

E Machado de Assis tinha razão: amor de mãe é a mais elevada forma de altruísmo. Uma das maiores forças do universo reside no amor de mãe.

É de Carlos Drumond, o maior de todos os poetas: “Mãe não tem limite / É tempo sem hora / Luz que não apaga”. “A mãe dá ao filho o que tira de si mesma: o sono, a melhor comida, em alguns casos até a sua saúde”, protagonizou Friedrich Nietzsche, grande pensador e poeta alemão.

Para mães ausentes, Carlos Drummond de Andrade reflete sobre como elas sempre permanecem por perto e dentro da gente porque são feitas de eternidade: “Morrer acontece com o que é breve e passa sem deixar vestígio. Mãe, na sua graça, é eternidade.”

Com Mario Quintana, aprendemos que as palavras de louvor às mães nunca serão suficientes se comparadas ao amor que elas nos dedicam. “Para louvar a nossa mãe, todo bem que se disser nunca há de ser tão grande como grande o bem que ela nos quer.”

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Além da veia de pesquisadora, Wanessa tem um motivo afetivo para investigar a trajetória do Guarany. É que o prédio foi construído pelo seu tio avô, Carolino de Arruda Campos, sendo inaugurado em 1922 após três anos de construção. Para ele, erguer o equipamento cultural seria um motivo para “segurar” os sertanejos na região, durante uma grande seca, quando levas de lavradores deixavam a caatinga, tangidos pela fome.

Carolino era então um próspero homem de negócios, e encomendou o projeto a um arquiteto francês. “A planta do edifício veio de Paris, porém não sabemos o autor, porque ela desapareceu”, conta a jornalista, que nasceu em Triunfo, onde costumava observar a imponência do edifício, no qual um detalhe sempre lhe chamou a atenção, quando criança.

“Eu olhava para o alto e não entendia porque lá havia a figura da cabeça de um índio e ficava pensando o que aquele índio fazia ali”, diz Wanessa. O motivo ela saberia depois. O índio representa um guarani, e foi uma homenagem ao maestro Antônio Carlos Gomes (1836-1896).

Carolino gostava tanto da ópera que trabalhava cantarolando a mais famosa composição do maestro, que foi inspirada no livro homônimo do escritor cearense José de Alencar (1829-1877). Habituada à pesquisa e a revolver documentos históricos – é autora de “A dona de Lampião” (sobre a cangaceira Maria Bonita) – Wanessa apresenta detalhes da construção do imóvel e do seu processo de tombamento pela Fundação do Patrimônio Histórico e Artístico de Pernambuco (Fundarpe).

Segundo a autora, o prédio começou a ser levantado em 1919, ano em que se registrou a terceira grande seca do século 20 na região Nordeste. A decisão dos comerciantes e primos Manoel de Siqueira Campos e Carolino de Arruda Campos em apostar no projeto foi para evitar o êxodo dos trabalhadores rurais para outros estados, devido à terceira grande seca do século 20.

Ao seu ver, a ideia “deu certo”. O prédio abriu as portas no dia 17 de fevereiro de 1922. Na verdade, o edifício foi construído com recursos de Carolino. Da inauguração até 1988, o edifício de características arquitetônicas ecléticas teve tempos de glória e depois passou por diferentes proprietários, chegando a fechar em 1985. O ponto de virada, aponta o livro, começou no ano anterior, em 1984, quando o prefeito da cidade solicita o tombamento estadual do monumento.

Quatro anos depois, em julho de 1988, o título de bem tombado foi concedido pelo então governador Miguel Arraes ao Theatro Cinema Guarany. No mesmo ano, em setembro, o Estado comprou o imóvel à Província Franciscana de Santo Antônio do Norte do Brasil.

Em 2022, o Guarany foi reinaugurado em grande estilo, com a abertura do CineFestival de Triunfo. Iluminado, o prédio virou um esplendor. O Guarany é o segundo teatro a ganhar um livro em sua homenagem, nos últimos dois anos em Pernambuco.

Em janeiro de 2021, o Teatro do Parque teve sua história contada pela também jornalista Sílvia Bessa. O livro foi encomendado pela Prefeitura, mas ninguém sabe onde foram parar os exemplares. Em 2023, a Cepe lançou um outro livro sobre teatro pernambucano, no qual é relatada a fascinante história das óperas no Recife.

“Uma pesquisa exaustiva e não menos enfadonha, mas consegui. Revirei documentos de cartórios, afinal, não se escreve história sem documentos”, diz Wanessa. Para ela, o cine-teatro, cujo nome foi inspirado na ópera “O Guarany”, de Antônio Carlos Gomes, é um sobrevivente, enfrentou sérias dificuldades, crises, superação, passou por vários donos.

Wanessa está de parabéns. O Theatro Cinema Guarany, inaugurado em 1922, é um centenário símbolo de resistência cultural e um dos cinemas de rua mais bonitos do Brasil. Com arquitetura neoclássica, o espaço é o coração social da cidade, funcionando como ponto turístico, palco de festivais de cinema e guardião da identidade sertaneja.

O Theatro Cinema Guarany, com mais de um século de história, é um dos cinemas mais bonitos do Brasil e o orgulho de Triunfo. O Guarany não é apenas um prédio, é um ponto de resistência cultural e audiovisual no sertão de Pernambuco. Mais que um centenário, o Guarany é um ponto turístico que ilumina a história e a identidade triunfense.

Um palco que atravessou gerações, unindo a imponência da arquitetura neoclássica à magia do cinema. O Theatro Cinema Guarany representa a força da cultura e das manifestações artísticas do sertão do Pajeú. Visitar o Guarany é fazer uma imersão na memória e na arte pernambucana.

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